Смех/Грех Коллективный
проект

Кирилл Манчунский родился в Казахстане, но получил образование в Московском Государственном университете по землеустройству. После серьезной травмы позвоночника в 19 лет он начал изучать современное искусство и в поступил в ИПСИ в 2017 году, а затем в ИСИ База в 2020. В 2021 году стал резидентом MaxArt Foundation, а в 2022 году художником Открытых Студий на Винзаводе.
Кириллу Манчунскому удается сочетать в своей практике разные, часто спорящие друг с другом визуальные и культурные коды так, что работы начинают говорить на своем собственном языке, который претендует быть понятным любому наблюдателю. Основной медиум - вышивка, предъявляет большой пласт прочно устоявшихся ассоциаций (начиная хотя бы с того, что традиционно рукоделие считается “женским” трудом) и апеллирует к личным зрительским воспоминаниям. Но это никак не резонирует с содержанием: он аттрактивен, работает на распознание, вызывает детское желание “потрогать”, “прикоснуться”.

Вот, что говорит сам художник о своем творчестве: «Сначала появляется идея, которая в процессе создания работы дорабатывается. Вокруг произведения я создаю историю. Прежде всего она должна быть остроумной или забавной, вызывать у человека положительные эмоции». Но так ли нам смешно после того, как мы вглядимся в эти работы повнимательней? То, что кажется забавным на первый взгляд, впоследствии может заставить задуматься на темы, которые совсем не покажутся нам смешными. Нелогичность изображенных сюжетов ломает устоявшиеся представления о тех или иных событиях. Мы на всё смотрим по-новому, работы рождают новые смыслы и мнения. Каждое произведение - это законченное высказывание, замкнутое в рамки абсурдности происходящего.
В настоящее время Кирилл Манчунский живет и работает в Москве.

Соня Кобозева родилась в 1986 году в Москве.
В 2014 году закончила Российский Институт Театрального Искусства, факультет сценографии. С тех пор работает художником-постановщиком и художником по костюмам в театре. Среди ее театральных работ опера «Дон Жуан» в Национальном театре Мангейма, опера «Жанна д’Арк» в Челябинском Государственном Академическом Театре Оперы и Балета им. Глинки, лаборатория современной оперы «Кооперация» на сцене МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко в Москве.

Герои Сони Кобозевой живут сами по себе, погруженные в мир своих собственных мыслей. Они мало взаимодействуют даже между собой, предпочитая уткнуться в телефон или с головой уйдя в свое занятие. Чтобы еще больше разобщить этих персонажей, художник помещает их на отдельные холсты, одновременно ограничивая искусственными рамками, но в то же время давая свободу от «лишних глаз» и возможность почувствовать себя максимально естественно. Цветовая гамма тоже предельно лаконична и лишь усиливает впечатление изолированности.
Художник живет и работает в Москве.

Иван Волков родился в 1992 г. в городе Протвино, Московской области, где в 2010 г. окончил городскую художественную школу. Чуть позже поступил в Московскую Государственную Художественно-промышленную Академию им. С.Г. Строганова на отделение монументальной скульптуры. После окончания учился в Институте Современного Искусства (ИСИ).
Иван Волков работает с такими медиа как скульптура, живопись, графика, а также осуществляет акции, которые в дальнейшем существуют в виде фотодокументации.
В своей художественной практике художник размышляет о проблемах прекариата: социально неустроенной прослойки общества, не имеющей полной гарантированной занятости. Именно представители этого класса — чаще всего главные герои придуманных сценок, в рамках которых воссоздается их повседневная жизнь. Однако, Волков не просто переносит увиденное на холст, ткань или ватман; его типичный прием — доведение отдельно взятой ситуации до абсурда, путем подмены знакомых реалий на диаметрально противоположные. Причем лаконизм художественного языка помогает вписать все парадоксальные составляющие в единую органичную канву.

Пейзаж в работах Волкова нельзя спутать ни с каким другим. Несмотря на огромные размеры России, такие картинки во дворах спальных районов встречаются повсеместно. При этом практически невозможно определить, какой конкретно город послужил прообразом для изображения. Как «Грачи прилетели» стали своеобразной универсальной формулой русского деревенского пейзажа, так и произведения Волкова стремятся вывести справедливую для всех форму образа российского двора среди жилых высоток. Возможно, здесь мало комплиментарности и восторженности, но именно в таком «голом» подходе и скрыто внутреннее очарование (а может даже романтизация) знакомой для каждого действительности.
Иван Волков живет и работает в Париже.

Марина Пчелякова родилась 9 февраля 1995 года в Ульяновске.
С 2013 по 2019 год училась в Московском Государственном Университете Печати (бывш. Полиграф) на факультете графических искусств. В 2018 году стала лауреатом на Международном конкурсе книжной иллюстрации «ОБРАЗ КНИГИ», а годом ранее вошла в шорт-лист BoekieBoekie «Start Award» в Роттердаме. В 2023 году стала участником арт-резиденции «Lami-genolini» в Италии.
О своём творчестве художница говорит так:
«Особое место в моей художественной практике отдано воспоминаниям. Заимствуя сюжеты из детства, личных переживаний и потрясений, я наблюдаю за тем, как избирательна память. Мне интересны и незначительные события, не окрашенные сильным эмоциональным переживанием: воссоздав их в деталях, я взращиваю из них полноценные образы. Однако эти интерпретации — не самоцель, а возможность диалога со зрителем: мне важно не просто рассказать свою историю, но оставить пространство для истории другого. Через сюжеты и образы моих работ я приглашаю зрителя рассмотреть и вспомнить самого себя, обнаружить связь с собственным прошлым, почувствовать, что в любом своём опыте он не одинок».

Реальная, существующая в моей памяти история становится импульсом к возникновению альтернативного сюжета на холсте — с вымышленными деталями, додуманными образами и новыми значениями. Я представляю, как выглядел бы этот иной, независимый от временного контекста мир, где сосуществуют разные события и персонажи. Это помогает мне не только исследовать и проживать внутреннюю боль или травму, но, отпустив их, дать место новому опыту — особенному и прекрасному. Обнаружить, что именно он делает нас теми, кто мы есть.
Оставлять зрителю пространство для свободной интерпретации и домысливания мне помогают намеренно искажённые формы и сюжетная многослойность, скрытая в яркости экспрессии и цветоформы моих работ. Некоторые художественные приёмы я заимствую у наивного и абстрактного искусства, но не ограничиваюсь ими, а исследую живопись как инструмент для нового прочтения хорошо знакомых вещей и явлений».
Художница живёт и работает в Москве.

Сергей Овсейкин родился в 1988 году в Москве, где в 2011 году закончил МИЭМ по специальности графический дизайн.
В 2002 году создал творческое объединение уличных художников ZUKCLUB, лидером которой остается до сих пор. На счету арт-группы множество масштабных муралов по всему миру, а также организация в 2009 году первого российского фестиваля уличного искусства Street Art Week.
С 2012 года Овсейкин один или совместно с ZUKCLUB принимает участие в международных фестивалях, резиденциях и проектах, среди которых Desvelarte в Сантандере, Black River в Вене, Arte Urbano в Швейцарии, Into the Valley в Эстонии, Gorilla в Тулуме, Карт Бланш в Екатеринбурге и др. Отдельно стоит отметить работу с департаментом Москвы, в рамках которой были организованы проекты «Русский авангард» и «Наследие» с изображением портретов деятелей культуры и искусства (Эйнштейн, Стравинский, Родченко, Булгаков и тд.) В Выксе для проекта Индустриальный парк художник создал масштабный Мурал по мотивам работы Эрика Булатова. В 2022 году совместно со Славой Птрк организует сателлит основной программы фестиваля стрит-арта Карт-Бланш в Израиле.

Зачастую главными героями Овсейкина становятся люди, животные, ангелы, бездомные, СМИ и множество других образов, так или иначе заставляющих задуматься о мире и месте человека в нем. Погружаясь в ассоциативный ряд предложенный художником, мы погружаемся в мир иронии, юмора и энергии, которую он посредством краски вкладывает в свои произведения.
Работы Сергея Овсейкина могут одновременно отсылать сразу к нескольким узнаваемым течениям или даже к определенным художникам. Московский концептуализм прекрасно уживается рядом с оп-артом, а метафизическая живопись Де Кирико находит общий язык с Кунсовским нео-попом. Причем визуальная красота и отточенность рисунка контрастирует с его внутренним содержанием, тема которого дается нарочито прямолинейно.
В своих произведениях Сергей Овсейкин предлагает возможное решение - аккумулировать в искусстве потенциальные формальные возможности уже изобретенных художественных направлений. По словам автора: «Лучший стиль - это отсутствие стиля, ведь таким образом невозможно стать его заложником». С условием того, что в каждое произведение заложен определенный смысл, объединенный общей темой, из этого «лоскутного одеяла» рождается совершенно иной взгляд на то, какой может быть авторская манера современного художественного видения.
В настоящее время художник живет и работает в Москве.